Методическое сообщение «Публичное выступление»

Автор: Евсеева Елена Петровна

Организация: МУ ДО ТДШИ

Населенный пункт: МО, г. Солнечногорск

ВВЕДЕНИЕ

Во всем, что касается выступления – этого волнительного и решающего момента в жизни юного исполнителя, особенно отчетливо сказывается характер юного музыканта и его индивидуальность. Поведение на эстраде, самочувствие во время игры, реакция на отношение слушателей – все это у каждого исполнителя проявляется по-своему, индивидуально.Поэтому различны и формы подготовки к концертным выступлениям. Эстрада, как правило, вызывает волнение. Задача методического сообщения рассмотреть наиболее часто встречающиеся в работе с учениками формы волнения. Раскрыть причины возникновения волнения и вдумчиво, чутко применяясь к индивидуальности ученика, анализируя каждое выступление, найти способы и возможность избежать неблагоприятных последствий волнения на концертном выступлении.

 

ИНСТРУМЕНТАЛЬНОЕ ИСПОЛНИТЕЛЬСТВО –

ВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

Музыкант выходит на сцену и реальность меняется: смолкают все разговоры, внимание зрителей в зале сосредотачивается на исполнителе.

Что чувствует сам музыкант, когда выходит на сцену? Получится ли сегодня выступить ярко и эмоционально? Удастся ли раскрыть замысел произведения, впечатлить слушателей, получить наслаждение от своего исполнения?

Инструментальное исполнительство, в отличие от других видов творчества (скульптура, архитектура), носит характер временный. Художник, культура, архитектор пишет картину и потом преподносит публике готовый вариант. Её можно рассмотреть в любое время. Законченное полотно можно выставлять сегодня, завтра, через месяц, его не нужно создавать заново.

Композитор же сначала продумывает концепцию будущего произведения, записывает произведение нотами, многочисленные проигрывания за инструментом, непрекращающийся анализ замысла, работа внутреннего слуха для воплощения необходимого звукового образа, настроения или характера. В итоге композитор записывает произведение нотами. И чтобы представить эту работу слушателю, произведение композитора нужно исполнить на музыкальном инструменте или инструментах, соло, в ансамбле или в оркестре. Пьеса создана автором, но чтобы она ожила и предстала перед слушателей, нужна работа исполнителя, который сможет воссоздать её во времени здесь и сейчас, перед аудиторией. И чтобы снова услышать произведение, понадобится новое живое исполнение. И каждый раз оно будет звучать уже немного по-другому, с новой эмоциональной силой и с новым содержанием. В этом и есть ценность живого концерта для слушателей и не менее ценна и важна она для самого исполнителя.

Для чего мы хотим представить произведение слушателям. Для того чтобы поделиться красотой звука, музыкальным образом, эмоциональным состоянием, которое захватило и воодушевило нас и получить отклик у слушателей. Блестящее, уверенное и эмоциональное выступление ценится как слушателем, так и самим исполнителем. К такому выходу необходимо готовиться.

Эстрада, как правило, вызывает волнение. Нередко волнение способствует большей яркости выступления. Известно, одаренные ученики обычно играют публично лучше. чем в классе. Однако во многих случаях, волнение сказывается отрицательно. У различных учеников оно проявляется по-разному. Некоторые играют на эстраде скованно, сухо и формально. Другие, наоборот впадают в преувеличенно «развязный тон». Волнение часто приводит к запинкам, остановкам и пропускам целых эпизодов.

Умение владеть на сцене своими эмоциями и своим физическим состоянием нужно воспитывать с самого начала обучения музыке и исполнительской деятельности.

Музыкант - почти каждый ребёнок, пришедший на приёмные экзамены в музыкальную школу, хочет осуществить свою мечту – стать артистом, музыкантом, выступать на сцене. Умение публично показать свои способности понадобится начинающему музыканту уже в самом начале творческого пути – прямо на вступительных экзаменах. Дальше его ждут академические концерты, технические зачёты, экзамены, концерты (концерты для родителей, общешкольные, городские), возможно участие в конкурсах. Путь исполнителя невозможно, представить без выступлений. Даже экзамены и зачёты не обходятся без выхода на сцену. Он должен показать перед комиссией всё, что разучил в классе с преподавателем и во время домашних занятий. Умение удачно и блестяще выступать, справляться с волнением необходимо даже тем ребятам, которые избегают участия в конкурсах и концертах. Открытая форма экзаменов в музыкальной школе не оставляет шансов тихо «отсидеться» и заниматься и исключительно в кабинете. Желание стать музыкантом иногда посещает и взрослых людей. Но, как правило, такие начинающие музыканты не планируют сделать музыку своей профессией. Зачастую у них уже выбран карьерный путь. Однако и им необходимо умение ярко и качественно подготовить своё выступление, когда пройдёт время сыграть выученную пьесу пред семьёй или компанией друзей. Каждый музыкант сталкивается в своей работе с этим этапом подготовки к концертному выступлению и большая часть музыкантов -исполнителей ищет все новые способы успешного преодоления сценического волнения.

 

ПУБЛИЧНОЕ ВЫСТУПЛЕНИЕ

Способы подготовки к концертному выступлению, методы работы с возможными трудностями на этапе подготовки к концертному выступлению были использованы в педагогической работе при подготовке юных музыкантов, учащихся музыкальных школ к концертному выступлению. Но этот процесс подготовки требует творческого и индивидуального подхода в каждом отдельном случае.

Уже в период обучения в муыкальной школе необходимо прививать чувство ответственности за качество исполнения на эстраде и вместе с тем любовью к игре на публике. Так советовала Выступление – это серьёзное дело, за которое он несёт ответственность перед слушателем, перед автором произведения, перед самим собой и перед своим педагогом, что вместе с тем это – праздник, лучшие минуты его жизни, когда он может получить громадное художественное удовлетворение.

Во всем, что касается выступления – этого решающего момента в творческой жизни исполнителя – особенно отчётливо сказывается индивидуальность музыканта. Поведение на эстраде, самочувствие во время игры, реакция на отношение аудитории – все это выявляется у каждого исполнителя по – своему.

Так, С. Рихтер рассказывает: «Многим кажется, что пианист должен быть окончательно готовым к концерту за пять дней. А я считаю что я все время должен играть. Последнее время я всегда занимаюсь в день концерта, и порядочно: часов по шесть. Проигрываю отдельные места, куски. Проигрываю, главным образом , «по-настоящему». Это очень помогает. Только не нужно играть всю вещь, чтобы не испортить её. Играю что-нибудь из того, что буду играть на концерте. Другого никогда не играю.» Совершенно иначе протекает подготовка к концерту Г.Нейгауза. « Я замечал за собой,- говорил он, что когда я много занимаюсь перед концертом, то иногда играю хуже...В самый день концерта я должен лишь немного потренироваться, а потом отдохнуть, погулять, заняться какими– нибудь другими делами, может быть совершенно не имеющими отношения к музыке, и тогда отправляться на концерт... Очень часто я не трогаю перед концертом тех вещей, которые я буду играть, а повторяю другие вещи.» В данном случае существенные различия, проявляются в характере подготовки к концерту Г. Нейгауза и С. Рихтера, – это различия в практике работы педагога и ученика. И это закономерно, поскольку речь идёт о крупных артистах, имеющих яркую творческую индивидуальность. Как бы ни были индивидуальны формы подготовки к выступлению каждого исполнителя, все же существуют некоторые общие советы в этой области, применяемые в педагогической и исполнительской деятельности.

И так, рассмотрим главное (первое) и основное - выступить уверенно, эмоционально и выразительно, без уверенного знания текста музыкального произведения невозможно. Это необходимое условие для подготовки к выходу на сцену. Произведение должно исполняться в правильном темпе, заявленном автором, с динамикой, с правильными штрихами, акцентами, темповыми отклонениями. Оправдания «я разволновался» не спасут. Где тонко – там и рвётся, это нужно усвоить. Недоученные части музыкального произведения, неотработанные пассажи обязательно дадут о себе знать во время выступления. Только подготовив качественное и уверенное исполнение, можно приступить к подготовке концертного выступления.

Перед концертом важно иногда проигрывать программу во время домашних занятий, среди товарищейи знакомых. Исполнитель должен научиться целостно охватывать программу. Непосредственно перед выступлением внимание ученика нельзы загружать многими замечаниями, так как это обычно вредно отражается на исполнении. Вместе с тем, было бы не правильно вовсе не делать никаких указаний – важно чтобы ученики точно знали, как им надо работать над тем или иным произведением до выступления.

Еще одна и очень важная деталь в подготовке к выступлению: в ученике надо воспитывать уверенность, что он достаточно подготовлен к выступлению. Эта уверенность создается не только словами педагога. Для этого необходимо:

1. Периодически проигрывать пьесу дома и на уроках в более быстром темпе, чем требуется, а во время концертного выступления берите темп чуть спокойнее.

Умение сыграть пьесу на репетициях быстрее, чем нужно, поможет исполнителю во время выступления. « Полезно играть с техническим запасом» этот совет часто можно услышать от опытных музыкантов. Хорошо, когда у исполнителя есть чувство уверенности в себе: « я на репетициях играл быстрее». Также большой плюс игры в быстром темпе – возможность лучше запомнить текст наизусть. В умеренном темпе мы чувствуем себя спокойно, уверенно, есть даже время подумать, какая впереди нота или аккорд. Быстрый темп не оставляет такой возможности, на размышление времени нет. Пальцы должны точно знать все движения, нельзя тратить время на то, чтобы вспомнить текст, все должно быть доведено до автоматизма.

Но исполнять пьесу на репетициях в быстром темпе нужно не все время, а лишь изредка, сделав это одним из вариантов подготовки.

Во-первых, отработанные в быстром темпе трудные элементы в будущем пойдут на пользу. Преодолевая трудности, мы совершенствуем технику. А ошибки, они неизбежны и их не нужно бояться.

• , исполнять пьесу на репетициях в быстром темпе нужно не все время, а лишь изредка, сделав это одним из вариантов подготовки.

Таким образом, музыкант почувствует себя свободнее, увереннее и отработанные в быстром темпе трудные элементы в будущем пойдут на пользу. Преодолевая трудности, мы совершенствуем технику. А если во время выступления музыканта захватят эмоции, а руки от волнения смогут взять темп быстрее, стремясь к кульминации значит, предварительная отработка пьесы в более быстром темпе позволит исполнителю обеспечить запас беглости, поможет выдержать подобное ускорение и в итоге чувствовать себя гораздо свободнее, что безусловно, очень хорошо.

2. Заранее обозначаем в произведении опорные места – «якоря», начинаем играть пьесу, потом в произвольном месте останавливаемся. Задача – продолжить играть пьесу со следующего «якоря», т.е. с начала следующей фразы или предложения.

Один из самых сильных страхов музыканта на сцене – забыть текст во время выступления. Да, такое случается: под пристальным взглядом слушателей забывается текст, динамические оттенки и много другое. Выступая на академических прослушиваниях и концертах в музыкальных школах, довольно часто ученики забывают текст исполняемого произведения.

Любое выступление сопровождается волнением, из-за которого можно забыть ноты, стихи, слова – все, что вы так старательно подготовили дома. Как справиться с этой трудностью? Для музыканта это один из главных страхов. И чтобы такое не произошло, следует предварительно проанализировать форму произведения, проговорить на уроке, где начинаются части, предложения, фразы. Эти точки будут нашими «якорями», на которых держится произведение (пьеса), с них ученик всегда сможет продолжить играть. В кризисной ситуации , если ученик остановился и забыл текст, начинать следует от следующего «якоря» , не от предыдущего. Можно проиллюстрировать эту проблему на примере одного чудесного «Денискиного рассказа» Виктора Драгунского (Где это видано?)

Стоит потренироваться и на уроках начинать играть с таких ключевых мест (со следующей фразы). Но пусть это будет не навязчиво и органично встроено в ход урока. Для ученика даже простое знание, что он всегда сможет продолжить играть с этих хорошо известных ему мест в пьесе, придаст уверенность в своих силах и поможет хорошо завершить выступление на сцене.

3. Предварительное проигрывание с закрытыми глазами. Предложите ученику закрыть глаза и сыграть свою пьесу сначала медленно, затем чуть быстрее. Развивает координационную память.

У нашей памяти сложная структура. Чтобы выучить текст музыкального произведения, полезно работать с разными способами запоминания. Используя способ исполнения с закрытыми глазами, можно проработать координационную, мышечную и слуховую память. Скорее всего, с первого раза с закрытыми глазами сыграть хорошо не удастся. Во время игры на музыкальном инструменте мы постоянно помогаем рукам зрительным контролем, а когда «выключаем» остаются только тактильные ощущения. Такой способ предварительной подготовки к выступлению позволяет развить координацию и начать свободно ориентироваться на клавиатуре инструмента. Не обязательно стремиться сыграть пьесу в нужном темпе. Если у ученика получится сыграть пьесу с закрытыми глазами от начала до конца, пусть даже с частыми остановками, – это уже большая победа. Таким образом пьеса прорабатывается на тактильном и координационном уровнях. Также очень важным плюсом проигрывания без участия зрения является другое восприятие своего исполнения – слуховое. Как у слабовидящих людей, когда отключается зрительный канал восприятия информации, подключаются другие органы чувств.

 

4. Тренировка зрительной памяти – периодическое проигрывание концертной программы по нотам. Когда ученик выучил концертную программу и уверенно испоолняет её наизусть, периодически ставьте перед ним пюпитр и возвращайтесь к исполнению по нотам.

Благодаря периодическим повторениям по нотам музыкант запоминает четкую форму произведения, зрительно заучивает, где находится вступительная часть, начало каждого раздела, заключительное построение. Это развивает структурную память.

5. Проведите вместе с учеником гармонический анализ пьесы. Можно подписать над каждым тактом аккорды. Периодически во время исполнения пьесы учеником озвучивайте функции и аккорды – этого будет достаточно.

Не нужно заучивать гармонический план формально. если с учеником периодически проговаривать функции того или иного аккорда в пьесе, то он запомнится достаточно быстро, т.к. аккорд будет связан с конкретным звучанием и интуитивно будет всплывать в памяти в нужный момент. Гармоническим анализом произведения нужно заниматься как на этапе разбора произведения, так и в процессе разучивания. Эту сложную и достаточно серьезную работу необходимо начинать уже в начальных классах в самых простых пьесах.

6. Исполнение с отвлекающими факторами. Во время исполнения пьесы неожиданно спросите ученика: «Ты есть хочешь?» или задайте любой вопрос, на который можно ответить односложно. Пусть постарается ответить, не отвлекаясь от игры.

Задача педагога – подготовить ученика к разным ситуациям, которые могут возникнуть во время выступления. Неожиданные резкие звуки, аплодисменты, громкая похвала прямо во время игры – все это может отвлечь неподготовленного исполнителя. Некоторые учителя просят окружающих об абсолютной тишине на репетициях. Не стоит создавать такие стерильные условия – это медвежья услуга своему ученику. Наоборот, резкие критические замечания одноклассников во время игры, посторонние разговоры, случайный хлопок дверью и другие отвлекающие факторы приучат юного музыканта играть, сосредоточившись на пьесе, и не отвлекаться. Используйте игровые моменты. Игра помогает поддерживать интерес к учебе, ученики эмоционально ракрываются, расслабляются, налаживается диалог с учителем. Это привлекает детей, помогает полюбить уроки музыки.

7. Учимся играть, испытывая волнение.

Во время выступления любой исполнитель волнуется. У начинающих музыкантов волнение может быть далеко не приятным и вдохновляющим. Сердце бьётся сильнее, дыхание учащается, все заготовленные здравые решения куда-то исчезают. Сценическое волнение влечет за собой довольно серьёзную физиологическую трудность. Руки слегка дрожат, сердце стучит, в таком состоянии можно ничего не сыграть. Сценическое волнение можно смоделировать: попросите ученика десять раз быстро присесть, попрыгать или предложите ему любую не слишком серьёзную физическую нагрузку, из-за которой сердце начнет биться сильнее, дыхание сбивчивое. Теперь у вашего ученика будет навык игры в таком состоянии.

8. Отрабатываем идеальное звучание перед концертом. Если музыкант стремится к высокому исполнительскому уровню, то проигрывание программы в хороших акустических условиях нужно включить в свою подготовку как обязательную часть работы.

Этот вид занятий сослужит хорошую службу, когда у нас есть цель поработать над красотой и культурой звука, а также подготовит к концертному выступлению с качественным микрофоном и в зале с хорошей акустикой. Репетируя в помещениях, поглощающих звук, исполнитель может оказаться не готов к тому, что в последствии на сцене каждый недостаток в звучании будут преподнесены слушателям как под увеличительным стеклом. Поэтому так важны репетиции в хороших акустических условиях. И еще один совет: Не следует слишком переутомляться в день перед выступлением. Не играть много на инструменте, не совершать никакой изнурительной работы – психической и физической.

 

ФОРМЫ ВОЛНЕНИЯ

Эстрада, как правило, вызывает волнение. Нередко волнение способствует большей яркости исполнения; известно, что одаренные ученики обычно играют публично лучше, чем в классе. Однако во многих случаях волнение сказывается отрицательно. У различных учеников оно проявляется по-разному. Некоторые играют на эстраде более скованно,сухо и формально,чем в домашней обстановке. Другие, наоборот, впадают в преувеличенно «развязный» тон, и их игра приобретает нарочитый, искусственно приподнятый характер. Волнение часто неблагоприятно отражается на технической стороне исполнения, а иногда приводит к запинкам, остановкам и пропускам целых эпизодов. Все эти формы эстрадного волнения постоянно встречаются в ученическом исполнения.

С ними надо вести систематическую и упорную борьбу, чутко применяясь к индивидуальности каждого ученика, внимательно и вдумчиво анализируя причины каждой постигшей его неудачи. Важно как можно лучше подготавливать ученика к концертам и не выпускать их с «сырыми», недоработанными произведениями. Необходимо помнить, что срывы во время публичного выступления приводят к появлению страха перед эстрадой. Весьма вредно фиксировать внимание учащихся на проблеме волнения. Напротив, как уже было сказано, надо воспитывать в них чувство радости от общения с аудиторией и процесса публичного выступления. И вместо того чтобы спрашивать ученика перед выступлением, не волнуется ли он, как это делают некоторые «заботливые» педагоги, необходимо мобилизовать его волю на то, чтобы он сумел донести до слушателей исполнительский замысел, не потеряв при этом ни основной нити музыкального повествования, ни деталей. И сам ученик, вместо того, чтобы мучить себя преждевременными страхами – не случится ли с ним на эстраде «катастрофа», должен сосредаточить свое внимание на том, чтобы как можно лучше сыграть произведение.

Большое значение для устранения чрезмерного волнения имеют частые выступления. Известно, что даже самые опытные исполнители после долгого перерыва в концертной работе, как правило, волнуются значительно больше, чем в период систематических выступлений. Вместе с тем и самые робкие ученики, если им приходится играть часто, начинают чувствовать себя на эстраде значительно увереннее. таким образом, дело заключается в том, чтобы обеспечить ученику возможность часто выступать перед публикой. Ограничиваться в этом отношении положенными выступлениями на вечерах в музыкальном заведении, разумеется нельзя. Необходимо, чтобы ученики систематически играли на шефских концертах, на вечерах в общеобразовательной школе и т.п. Но и этого недостаточно. Важно, чтобы педагог предоставил им возможность как можно чаще исполнять в классе, используя для этого не только произведения находящиеся в работе, но и пройденные раннее. У исполнителя, имеющего репертуар, значительно быстрее развивается пианизм, память, выдержка, накапливается опыт работы над отделкой произведения.

 

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

Говорить себе или говорить другим – это большая разница. Не старайтесь убедить своим исполнением. Самое главное - поделиться со слушателями музыкой, которая в ваших руках. А если Вам скажут какую чудесную музыку вы играли – Вы достигли цели. Успехов !

 

 

Список литературы

1. А. Алексеев Методика обучения игре на фортепиано. М.,1978.
2. Л. Баренбойм Музыкальная педагогика и исполнительство. Л.,1974.
3. Бочкарев Л.Л. Психологические аспекты публичного выступления музыкантов -исполнителей. «Вопросы психологии»., 1975.

 

 

Опубликовано: 10.11.2024